Le quartet sud-africain-suisse-espagnol autour du contrebassiste Bänz Oester existe depuis 2012 et a depuis donné une centaine de concerts en Suisse, en Afrique du Sud, en France et en Allemagne, en Pologne, au Mozambique et à l'île Maurice, entre autres aux festivals de Willisau, Francfort, Karlsruhe, Winterfestival Bern, Taktlos Zurich, Chiasso, Cully, Int. Jazzfestival Cape Town, Grahamstown (SA), Shanghai, Jazzahead Bremen, Jazztopad Wroclaw.

Pour les raisons que l'on connaît, nous avons un line-up européen pour les deux concerts du 22 avril 2021 au Singe et du 29 avril à Dornach :

Zacharie Canut, tenor saxophon

Malcolm Braff, piano

Samuel Dühsler, drums

Bänz Oester, bass

Le répertoire du groupe se compose de compositions originales des membres et d'adaptations de morceaux de Suisse, d'Afrique du Sud et des Balkans.

Nous sommes heureux que la musique et donc la vie reviennent au Singe !

L'événement se déroulera en suisse-allemand.

Sur son nouvel "Album de famille", l'artiste dialectal suisse allemand Trummer se pose des questions telles que:

"Que représente pour nous l'histoire de notre famille ?".
"Que faisons-nous des traces qu'elle a laissées en nous ?"
"Et comment racontons-nous notre propre histoire ?"

Après le succès du livre CD "Heldelieder" (2014), il s'agit de son deuxième album sous forme de livre CD.

Avec Nadja Stoller (voix, divers instruments) et Samuel Baur (voix, percussion), les chansons sont interprétées en direct de manière polyvalente. Avec ce groupe chaleureux, les représentations de "Familienalbum" vont plus loin que de simples concerts. Une réflexion commune, des souvenirs et des récits, une sorte de soirée à thème.

Jimi Hendrix a lâché cette phrase lors de sa dernière interview, de manière plutôt désinvolte, le sourire aux lèvres. Le 11 septembre 1970, le guitariste se plaint au journaliste Keith Altham que tout est devenu si compliqué, si lourd. C'est pourquoi il voulait en fait être comme l'hélium, ce gaz qui est sept fois plus léger que l'air. Une semaine plus tard seulement, Hendrix s'est réellement envolé, léger comme un ballon d'hélium, au milieu de l'infini.

«This man really was a gas!!!!!!», l'ennoblit la chanteuse Erika Stucky en insistant de manière euphorique sur les six points d'exclamation, le petit mot "gaz" pouvant également être assimilé dans ce contexte à "plaisir" ou "jouissance". Avec le guitariste Christy Doran, le batteur et percussionniste Fredy Studer et le bassiste électrique Thomy Jordi, elle continue à construire un monument sonore à Hendrix.

L'album "Doran - Stucky - Studer - Clarke - JIMI" (à l'époque encore avec Mme Kim Clarke à la basse), sorti en 2005, balance de manière rafraîchissante sans tomber dans les schémas superficiels habituels du genre. Beaucoup de choses semblent assez originales, mais en principe, tout est différent. L'essentiel de cet hommage renouvelé à Hendrix réside dans les détails affectueux, dans les petites pauses qui permettent à un monde d'expérience individuelle complètement différent d'entrer dans cette musique, déplaçant le cadre de référence légèrement mais indubitablement.

Nous nous réjouissons d'une soirée de rock, d'une touche de jazz et d'extase psychédélique - Bref : nous sommes prêts à nous laisser flotter comme de l'hélium.

Comme venu de nulle part, le trio "NES" autour de la chanteuse, violoncelliste et compositrice franco-algérienne Nesrine a étonné le monde musical européen au-delà des frontières de genre en 2018. Le premier album "Ahlam" a suscité des réactions enthousiastes par sa beauté pure, l'instrumentation inhabituelle de la voix, du violoncelle et des percussions et une unification musicale de la région méditerranéenne, de l'Afrique du Nord à l'Europe du Sud.

Aujourd'hui, en tant qu'artiste solo, NESRINE continue de raconter l'histoire de sa vie personnelle et musicale : élevée en France comme enfant de parents algériens, elle a d'abord appris et étudié le violoncelle classique, a rapidement travaillé avec des institutions telles que le "East-Western Divan Orchestra" de Daniel Barenboim, l'Orchestre de l'Opéra de Valence sous la direction de Lorin Maazel et a joué un rôle de premier plan dans un programme du "Cirque de Soleil". Mais c'est surtout dans ses propres chansons en arabe, français et anglais que sa personnalité artistique éblouissante devient audible. Un monde musical sans frontières, reflété par le violoncelle de Nesrine et sa voix puissante, avec des racines nord-africaines et un présent méditerranéen.

Compositeur, arrangeur et pianiste de jazz à la carrière internationale, Moncef est arrivé en Suisse à l’âge de 2 ans pour soigner ses yeux.

Aveugle de naissance, il a été adopté par une famille suisse et commença le piano à 6 ans. Devenu professionnel, il n’a eu de cesse de multiplier les collaborations musicales. Son éclectisme lui permettant de réinventer sa musique à travers chaque projet. Avec Pop Songs, élu l’un des meilleurs albums 2015 au Japon et en Suisse, Moncef choisit d’adapter au Jazz des classiques du répertoire Pop.

À travers des titres comme Message In A Bottle de Police, Smells Like Teen Spirit de Nirvana, en passant par Little Wing de Jimi Hendrix ou encore Light My Fire des Doors, Moncef s’éloigne de façon ludique et inspirée du traditionnel trio de jazz.

Au menu de cette magnifique soirée musicale : une solide section rythmique, le swing raffiné d’Ernie Odoom et la musicalité lumineuse de Moncef Genoud… de quoi fondre de bonheur.

chuffDRONE

Chacun des cinq musiciens formant l’ensemble de chuffDRONE approche le jazz à sa manière.

Cinq joueurs alertes libérant leur intensité dans un esprit d’équipe. Aussi intelligents qu’intuitifs, les membres de chuffDRONE composent des explosions, rythment l’extase et orchestrent le silence à force d’énergie, de poésie et d’exubérance. Les frontières entre composition et improvisation disparaissent pour laisser place à une force collective, les instruments se fondent en un ensemble sonore vibrant et électrique dont on ne peut que difficilement se détourner.

Le pas du chat

Le pas du chat se déplace comme sur la patte d'un chat, parfois en rampant, en attendant, ou agile et parfois en frappant. Le quatuor est composé de Hamid Khadiri, Brise, Werner Steffen, Edgar Laubscher.

La musique, largement structurée, est basée sur le chant oriental de Hamid Khadiri. Avec son chant poétique et méditatif unique, Khadiri tente la fusion entre la musique orientale, africaine et indienne. Ajoutez à cela les mélodies méditatives et le son groovy de la viole d'amour et le jeu virtuose du saxophone.

Grâce à la voix de Brise, fortement influencée par l'âme, la musique se transforme en blues oriental.

Brize ( Voix )
Edgar Laubscher ( Viola )
Werner Steffen (Clarinette basse, Sax)
Hamid Khadiri (Voix, Sintir, Perc)

Florian Favre - Néology

Florian Favre - Néology

Une bombe énergétique où se mélangent à la fois poésie, ironie, et irrésistible envie de danser.

Si l'on peut faire confiance à quelqu’un pour cette audacieuse combinaison, c'est bien à lui : le pianiste de jazz et compositeur suisse Florian Favre revient avec Néology à son premier amour musical : le hip-hop. Après une résidence à la Nouvelle-Orléans et à New York, il met  en pratique les fruits de ses inspirations dans cette nouvelle formation, dans laquelle il joue à la fois le rôle de rappeur et de pianiste.

Avec des musiciens des États-Unis, de France et son trio, Favre explore les frontières de l'interaction entre le texte et la musique, créant un mélange de Jazz, Pop et Hip-Hop où la poésie et l'ironie s'entremêlent.

Line up

Florian Favre (composition, piano, vocal), Manu Hagmann (double bass), Arthur Alard (drums), Shems Bendali (trumpet), Simon Girard (trombone), Erwan Valazza (guitar)

The Great Harry Hillman

The Great Harry Hillman est un quartet suisse aux influences post-jazz qui existe depuis 11 ans.

Comme son nom l’indique - référence à un athlète américain de course de haies du début du 20e siècle - le groupe cherche à dépasser les conventions. La musique complexe et captivante de The Great Harry Hillmann mêle jazz, rock et improvisation dans une ambiance sonore prenante aux multiples facettes - parfois calme mais toujours puissante, portée par quatre musiciens attentifs sachant contrôler leur fougue. Ils plongent leur public dans un océan musical finement construit et d’une beauté indescriptible.

Loin de perdre la profondeur de la musique, leurs concerts débordent d’énergie et d’humour. Après leurs deux premiers albums: l’album auto-produit «Livingston» de 2013 et l’album «Veer Off Course» de 2015 (Klaeng Records), ils sortent à présent l’album «Tilt», produit par Cuneiform Records.

Le célèbre hebdomadaire allemand «Die Zeit» considère la Suissesse Lucia Cadotsch comme l’une des représentantes essentielles «du renouveau du chant jazz, par-delà l’interprétation usée des standards et les clichés de la tradition des auteurs-compositeurs».

En 2016, elle publie «Speak Low», son premier album en tant que leader. Enregistré en trio avec Petter Eldh et Otis Sandsjö, il lui permet de se faire immédiatement connaître à l’échelle internationale. La presse est euphorique et aussi bien le quotidien britannique «The Guardian» que le magazine de référence américain «DownBeat» créditent «Speak Low» de la note maximale. En 2017, Lucia Cadotsch est élue chanteuse de l’année par le jury du prix allemand «Echo Jazz» et les critiques positives continuent de se multiplier. En 2018, le trio est ensuite invité à participer au "Winter Jazzfest" à New York.

Communiquant de manière quasi télépathique et d’une précision diabolique, le trio Speak Low nous prouve aujourd’hui qu’il recèle encore bien des trésors musicaux. Sur son nouvel album, le groupe revisite la musique d’artistes aussi divers que Brian Eno, Rickie Lee Jones, Luciano Berio ou Tony Williams et, une fois de plus, la magie opère. Grâce au son résolument original qui est devenu sa marque de fabrique, il transforme ces compositions en musique de notre temps, permettant à une nouvelle génération d’auditeurs de les découvrir tout en surprenant les spécialistes avec des interprétations inattendues. Lucia Cadotsch s’affranchit avec grâce de toutes les conventions du chant jazz, le saxophoniste Otis Sandsjö tisse de magnifiques ornements d’une légèreté rare et Petter Eldh parvient sans peine à faire le grand écart entre force et agilité, prouvant au passage qu’il est l’un des contrebassistes de jazz les plus importants du moment.
 

Lucia Cadotsch - voix 
Otis Sandsjö – saxophone ténor 
Petter Eldh - contrebasse

Le duo Matchenko se produit pour la première fois avec un groupe. Pourquoi? Parce que leur musique mérite d’être jouée par une plus grande équipe!

Mathias Schenk - vocals, guitar

Michel Spahr - guitar

Ueli Kempter - keys

Bidu Rüegsegger - bass

Kevin Chesham - drums

Leurs disques sont encore et toujours considérés comme des jalons de l’histoire du rap suisse-allemand. Leur premier album, «Ke Summer», est sorti en 2005, à une époque où les premières publications des crews et des rappeurs concernés avaient déjà suscité un réel engouement. Il fallut ensuite attendre dix ans pour découvrir leur deuxième opus, «Wieso immer mir?», qui se hissa immédiatement à la première place des charts. Le 10 janvier 2020, ils nous ont enfin gratifié de leur troisième disque, premier album de Chlyklass intégralement réalisé par leurs producteurs maison Link & Clumb, plus connus sous le nom de TukkeiMusic. Intitulé «Deitinge Nord», ce petit bijou est un hommage à l’aire d’autoroute éponyme, dernière étape traditionnelle de leurs escapades en commun.

La sortie du nouvel album de Stiller Has, «Pfadfinder», est annoncée pour le vendredi 6 mars 2020. L’événement sera suivi d’une tournée avec un nouveau line-up. En attendant, le groupe est à l’œuvre entre le studio et la salle de répétition pour écrire, composer, arranger et enregistrer un nouvel album.

Comme l’a écrit la NZZ, «Endo Anaconda décrit et chante l’état d’esprit qui règne en Suisse mieux que nul autre artiste». Ce troubadour des temps modernes ne se laisse pas abattre par une réalité désabusée. «Il faut croire en la bonté des êtres humains. Il le faut!» insiste-t-il avant d’avancer sans ironie aucune: «l’amour est la seule voie à suivre».

Line-up

Endo Anaconda – Stimme & Texte

Boris Klečić - Akustische & Elektrische Gitarren, Mandoline, Banjo, Bass

Roman Wyss - Klavier, Orgel, Posaune

Bruno Dietrich - Schlagzeug, Perkussion, Bass, Handorgel, Ukulele, Klavier, Orgel

Enveloppée dans de douces ballades au piano, des duos de guitares entraînant ou des chants diphoniques, parsemée de touches lumineuses de xylophone et de kalimba, la voix chaleureuse et mélancolique de Jaël promet d’envoûter son public dans un concert qui s’annonce émouvant. Frissons garantis!

Ancienne chanteuse de Lunik et compositrice, Jaël présente son nouveau programme acoustique au printemps 2020. Accompagnée de Cédric Monnier au clavier et de Domi Schreiber à la guitare, elle met en scène ses nouvelles chansons de manière intimiste pour y dévoiler tout son potentiel musical. Des références à Lunik créées avec d’autres artistes complètent ce set musical de haute qualité.

LineUp:

Jaël: Gesang, Gitarre, Xylophon

Cédric Monnier: Tasten, Kalimba

Domi Schreiber: Gitarre, Gesang

Les deux effrontées de Luna-tic, Claire de Berlin et Mademoiselle Olli de Paris-Est tourbillonnent sur scène. Pour la première fois, elles s’attaquent à une tragédie classique et donc – du moins c’est ce qu’elles croient – aux choses sérieuses de la vie. Les chansons deviennent un peu grecques, le piano se transforme en antiquité, Olli joue le rôle principal et Claire philosophe. Où l’on découvre deux héroïnes qui sortent de l’ordinaire: excessivement drôles, explosives et terriblement tragiques…

Judith Bach et Stéfanie Lang - comédiennes

Federico Dimitri - mise en scène

Thomas Silvestri - oreille musicale extérieure

Le trio de Christoph Irniger célèbre la mélodie sans jamais tomber dans la banalité. Les morceaux interprétés par ce groupe de haut vol sont des poèmes musicaux qui prouvent à l’envi qu’un univers sonore complexe ne doit pas nécessairement exclure les mélodies évidentes et qu’il peut même servir à les mettre en valeur. Les arrangements se distinguent par une orchestration savante, les improvisations étant là pour souligner l’esprit de la composition. Ce trio parvient ainsi à entrelacer mélodies, arrangements et improvisations pour créer un tout harmonieux.

L’invité habituel du groupe Loren Stillman séjournant actuellement aux USA, Christoph Irniger a fait appel au tromboniste Nils Wogram. Existant depuis 2011, le trio reste constitué de Christoph Irniger au saxophone ténor, Raffaele Bossard à la contrebasse et Ziv Ravitz à la batterie, comme sur les deux albums d’exception qu’il a publié à ce jour, à savoir «Gowanus Canal» (2012) et «Octopus» (2015).

Christoph Irniger, ts
Raffaele Bossard, b
Ziv Ravitz, dr
Nils Wogram, tb

Moins d'un an et demi après la sortie de leur premier album, Jazzland Recordings à publié le deuxième album du supergroupe scandinave Rymden.

Si "Reflections & Odysseys" a marqué une première expédition en orbite terrestre, le nouvel album catapulte les trois vétérans du jazz encore plus loin. "Space Sailors" est maintenant le voyage de Rymden vers Mars - plus d'expérimentation, plus d'exploration électro-acoustique.

Combiner les sons de la culture pop avec les improvisations du jazz - c'était à la fois l'idée derrière la "New Conception Of Jazz" de Bugge dans les années 90, et l'approche du "Esbjörn Svensson Trio", avec lequel Magnus et Dan se sont fait connaître.

"Space Sailors" pousse ce concept à un niveau supérieur.

Il est intelligent, humoristique, surprenant et plein d'une énergie débridée !

Il y a six ans, sur un simple coup de tête à l’occasion d’une fête d’anniversaire, les quatre musiciens de ce qui allait devenir Mirakolo ont eu l’excellente idée de fonder l’un des groupes les plus originaux qu’il nous ait été donné d’entendre. Et depuis, leur joie inextinguible enchante le public à chacun de leurs concerts. Mélangé sans shaker et sans cuillère, le cocktail proposé par ces quatre Biennois allie acrobaties virtuoses et rythmes de toujours. Associant sans vergogne jazz et grooves balkaniques, ils font danser leurs auditeurs à tous les coups, tandis que leurs prouesses instrumentales confèrent à leur musique une magie proprement «mirakoleuse»!

Gregor Krtschek - trompette
Amin Mokdad - saxophone
Philippe Ducommun - batterie
Tom Gasser - basse électrique

Dub Spencer & Trance Hill servent du DubReggae psychédélique à la sauce rock et trance. Le quatuor interprète en direct ce que d’autres ne parviendraient à créer qu’en studio. Le groupe séduit la presse et le public par son instinct sonore, ses tubes réinterprétés à la fois avec humour et respect et son immense savoir-faire technique. Au gré de leur envies, les quatre musiciens s’approprient toutes sortes d’influences pour en faire une musique unique en son genre. Après avoir tourné à travers la Suisse, l’Italie et l'Allemagne en 2019, les musiciens reviennent en terrain connu. Avec du neuf et du déjà vu.

Line Up:

Masi Stalder - Bass

Markus Meier - Guitar

Philipp Greter - Keyboards

Julian Dillier - Drums

Il y a des groupes qui donnent de magnifiques et intenses concerts, qui saluent leur public et qui rentrent chez eux. Et il y en a d’autres qui ouvrent grand les portes, qui arrêtent le temps et qui s’inscrivent à tout jamais dans la mémoire du public. Schnellertollermeier en fait partie.

Quiconque a déjà vu ce groupe en live le confirmera. Et quiconque essaie de décrire leur musique emploiera généralement des adjectifs comme «spectaculaire», «minimaliste», «brutale», «précise», «monumentale», «colérique», «contrôlée», «captivante» ou encore «radicale».

Leurs concerts sont de véritables décharges d’énergie venues tout droit du croisement entre la composition moderne et l’improvisation libre. Derrière les portes ouvertes par le groupe se cachent de nouveaux paysages inédits empreints de musique minimaliste, d’influences électroniques et avant-gardistes agrémentés d’emprunts au krautrock et au la franc-parler du punk.

Schnellertollermeier fera escale au Singe pour présenter son nouvel album «5».

Line Up:

Manuel Troller (guitar)
Andi Schnellmann (bass)
David Meier (drums)

Le jeu raffiné et rythmique du bandonéiste Michael Zisman s’intègre parfaitement à l’incroyable palette sonore du Kaleidoscope String Quartet pour un programme de haut vol placé sous le signe de la joie, de l’humour, de la profondeur et de l’interaction.

Zisman, qui a travaillé avec des stars internationales comme Chick Corea et Paquito d’Rivera, vient enrichir la musique d’un quatuor à cordes anticonformiste dont la presse ne cesse de tresser les louanges: «Les musiciens suisses du Kaleidoscope String Quartet parviennent à mêler avec sensibilité et virtuosité différentes influences et sonorités» (Neue Zürcher Zeitung).

La musique du François Lana Trio est une roche brute, en fusion. Elle est traversée par un swing incandescent ainsi que par un irrésistible penchant pour l’improvisation libre et la création spontanée de paysages sonores inattendus.

Dans le jeu du trio résonnent des échos des sessions les plus sauvages et rugueuses de l’histoire du piano trio (Money Jungle, Footloose, etc.). Mais lorsque le groupe revisite les codes d’un jazz «roots» sans concession, il puise également dans la musique dite «actuelle» un usage expressif de la technique.

La pièce est jouée en allemand.

«EGOBLUES» ist garantiert keine Comedy, sondern politisches Kabarett vom Feinsten. Hier muss das Publikum keine Schenkelklopfen, sondern Mitdenken. Nicht nur die Lachmuskeln sind gefragt, auch die Synapsen werden aktiviert. Garantiert politisch unkorrekt und pädagogisch lustvoll.

Gastgeberin Betty Dieterle, gestandene Kabarett- und Theaterfrau präsentiert ihren zweiten Streich. Die Helene Fischer der Geknechteten und Wohlstandsverwahrlosten läuft zur Höchstform auf. Basels Marlene Dietrich sinniert über den täglichen Überlebenskampf im digitalen Zeitalter.
Ob Frauenstimmrecht, Europapolitik oder Genderwahnsinn, kein Thema ist zu traurig, um nicht besungen zu werden. Keine Figur des öffentlichen Lebens zu schade, um nicht auf der Schippe des Spotts zu landen. Mit Wortwitz, Clownerie, toller Musik und ihrer Scharfzüngigkeit seziert sie ihren Alltag und sinniert über die aktuellen und brisanten Thematiken des 21. Jahrhunderts.

Wie lebt es sich mit und nach Corona? Wer hat profitiert vor der Krise? Wer sind vor allem die Verliererinnen? Bekannt für ihr politisches Bewusstsein, ihr loses Mundwerk und die feministischen Fragen, die sie stellt, garantiert der «EGOBLUES» beste Unterhaltung mit Humor und Tiefgang.

Mit vielen satirischen Texten und mit wunderbarem Gesang, schrägen Coverversionen und Eigenkompositionen führen Betty Dieterle, die Cellistin Nora Kaiser und Der Geiger Adrian Borter klug und äusserst unterhaltsam ihr Publikum durch den Wahnsinnigen des heutigen Lebens.

Line Up:
Gesang/Text: Bettina Dieterle
Cello: Nora Kaiser
Geige: Adrian Borter

Chelan, jeune producteur, auteur-compositeur et multi-instrumentiste originaire de Nyon, vient au Singe en octobre avec son nouvel EP.

Dans ses chansons, où l'on peut entendre les influences de ses idoles (Jacob Collier, Jordan Rakei, Loyle Carner, Tom Misch, Hablot Brown ou encore Jamie Cullum), Chelan poursuit le succès du "Contemporary Jazz meets Soul Pop Groove" de ses précédents singles D.Y.K.. (Don't You Know) ou Counting Losses.

"Les artistes suisses de mon entourage comme Makala, Pink Flamingo et Arma Jackson m'inspirent et nous nous inspirons tous les uns les autres - en cherchant toujours à révéler au monde une touche de nos vibrations suisses à travers des collaborations."

Le quintet irlandais Goitse (prononcé gwi:cha, qui signifie "viens ici" en gaélique), récompensé à plusieurs reprises, s'est fait un nom dans le monde entier grâce à son son dynamique, à ses rythmes et ses mélodies entrelacés et complexes, et à la voix soprano de la chanteuse Áine McGeeney, qui chante en gaélique et en anglais.

Ils expérimentent avec la tradition et la font frémir et vibrer avec des influences d'autres styles musicaux. Le groupe écrit également des chansons et des airs originaux qui donnent à la tradition un côté moderne. Grâce à des groupes comme Goitse, l'évolution de la musique irlandaise progresse!

En 1999, le batteur Bobby Previte a réuni un power-groupe avec le one-and-only tromboniste Ray Anderson, le maître saxophoniste alto Marty Ehlich, le pianiste culte Wayne Horvitz et le bassiste légendaire Steve Swallow.

Se faisant appeler simplement «BUMP» le groupe a tourné en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud pendant 5 ans, jouant dans des festivals de Saalfelden à la mer du Nord, à Rio et à Malte. Avec Jerome Harris qui remplace Swallow à la basse, «BUMP» a fait une tournée européenne en juillet 2019 avec une tournée de « réunion » réussie - Et ils recommenceront en octobre 2021 avec une programme tout nouvelle !

 Judith Hill - vocals, piano, guitar

Robert Hill - bass

Michiko Hill - keys/B3

Donnel Spencer Jr - drums

Gregory Moore - guitar

Groupe de folk celtique récompensé par deux Irish Music Awards, CARA se compose de cinq musiciens tout droit venus d’Irlande, d’Ecosse et d’Allemagne. Arrangements novateurs, compositions originales, représentations grandioses et présence scénique charismatique sont autant d’atouts qui leur ont permis d’acquérir une remarquable renommée quinze ans après leurs débuts.

CARA est la définition même d’un mariage parfait entre les voix de deux chanteuses exceptionnelles et des morceaux instrumentaux irlandais de haut niveau. Solos de cornemuse irlandaise époustouflants, passages de violons déconcertants, ballades émouvantes, morceaux de guitare et de bodhrán magistraux – la liste est longue! Ajoutez à cela une présentation pleine d’humour et de charme, et Cara vous garantit une soirée riche en plaisir musical et en divertissement.

Pas étonnant donc que leurs tournées et concerts aient été acclamés aux Etats-Unis, au Benelux, en Australie, Irlande, Ecosse, Danemark, Allemagne, France, Autriche, Italie et Suisse.

"Comment peut-on savoir que c'est l'été en Finlande ? La pluie se réchauffe !". Le pianiste Iiro Rantala consacre son troisième projet solo sur ACT entièrement à son pays natal, la Finlande, et à la mentalité de ses habitants, leur mélancolie, leur humour et l'esprit finlandais unique. Iiro Rantala raconte cette histoire à travers douze compositions - une pour chaque mois.

Avec virtuosité, verve et esprit - et de nombreuses anecdotes sur l'âme finlandaise, comme elles ne peuvent venir que d'Iiro Rantala à sa manière espiègle.

Iiro Rantala - piano

Musicien au charisme rare, le vocaliste suisse Andreas Schaerer est l’un des chanteurs et compositeurs de jazz les plus originaux et les plus éblouissants de notre temps.

Dans le monde entier, les mélomanes vantent sa virtuosité et l’incroyable plasticité de sa voix. Et même s’il ne lui viendrait jamais à l’esprit de se qualifier ainsi, sa technique et sa maîtrise sont telles que l’on peut bel et bien le considérer comme un véritable acrobate vocal. Au printemps dernier, après six ans d’absence discographique, Andreas Schaerer a publié avec son groupe-phare Hildegard Lernt Fliegen un nouvel album studio, intitulé «The Waves Are Rising, Dear!» et publié par le label ACT Music. Cet automne, le groupe entame une longue tournée pour présenter sur scène les morceaux de ce disque.

Connu pour ses spectacles peu conventionnels dégageant une énergie explosive, le sextette va nous prouver une fois de plus que sérieux et joie ne s’excluent pas, bien au contraire: ces deux termes apparemment antinomiques sont absolument indispensables pour donner des ailes à la musique.

Line Up:

Andreas Schaerer - voc
Andreas Tschopp - tb/tuba
Benedikt Reising - sax/cl
Matthias Wenger - sax
Marco Müller - b
Christoph Steiner - dr/perc/marimba

Que signifie "pour toujours" ? L'éternité est tout et rien. Les six musiciens le savent : La musique est éternelle.

Le nouveau single "Forever" est un hommage à la musique et à l'amitié. Un pour tous, tous pour un. The Souls peuvent se retourner sur 10 ans d'histoire. La chanson la plus réussie du groupe "Close My Eyes" a été diffusée plus de 1,5 million de fois et l'album "Eyes Closed" est entré directement dans les Swiss Album Charts à la troisième place. La sortie de l'album "Eyes Closed" a apporté au groupe une exposition nationale considérable en 2016. Elle a été suivie d'une vaste tournée de festivals à travers la Suisse (Montreux Jazz Festival, Gurtenfestival, Gampel, Rock Oz'Arenes, Heitere Openair) et d'une tournée de clubs à guichets fermés.

En plus de leurs succès nationaux, The Souls ont tourné dans des pays tels que l'Ukraine, l'Allemagne, le Royaume-Uni, Singapour et les États-Unis. Avec l'expérience des spectacles de soutien à des grands noms internationaux tels que Lenny Kravitz, The 1975 et Kodaline dans leurs bagages, le SRF3 Meilleur talent de l'année 2016 revient cette année sur les scènes suisses dans un état de maturité. Avec plus de 400 concerts joués, les six talentueux musiciens forment une équipe assermentée. Leur deuxième album "Queenie Pop" est sorti le 2 octobre 2020.

La culture de Pernambuco se retrouve naturellement dans ce style d'Amaro Freitas, un pianiste et compositeur de 28 ans qui est l'un des dernières et des plus grandes révélations du jazz brésilien. Influencé par Capiba - le maître du frevo -, Moacir Santos, Hermeto Pascoal et Gismonti, mais aussi par de grandes références du piano jazz comme Monk, Jarret ou Corea, il sort son premier album "Sangue Negro" en 2016 et convainc immédiatement la critique.

Avec un nouveau contrat avec le label londonien Far Out, le pianiste est en tournée avec son deuxième album "Rasif" et sortira son troisième album "Sankofa" fin octobre.

Né et élevé en Israël, le tromboniste Reut Regev est présent sur la Jazz-Szene de New York depuis plus de 20 ans. Reut a eu le plaisir de jouer avec certains des compositeurs expérimentaux les plus influents, ou avec des groupes new-yorkais, en mélangeant les styles et les cultures - y compris les sons traditionnels. La signature sonore de Reut comprend de l'improvisation libre, des compositions contemporaines, du blues, du klezmer, de la musique latine, du jazz direct et tout ce qui se trouve entre. Elle a enregistré et tourné avec Anthony Braxton, Butch Morris, Elliott Sharp, Burton Greene, Hazmat Modine, Metropolitan Klezmer, Joe Battan et bien d'autres.

Le groupe "Reut Regev's R*time" est le principal projet de Reut en tant que chef d'orchestre et compositeur depuis une dizaine d'années.  Le groupe comprend le guitariste free-funk Jean-Paul Bourelly et le bassiste Mark Peterson. Parmi les autres merveilleux paR*timers figuraient le tubiste de renom Jon Sass et les bassistes de renommée internationale Robert Jukic et Andrea Castelli.

Les membres de ce groupe partagent tous une forte conscience de la qualité du son et du timbre, ce qui les distingue des autres musiciens.

Trois voix instrumentales distinctes - le piano "chantant" de Vallon, la basse "pleine réverbération" de Patrice Moret et la batterie "polyvalente" de Julian Sartorius - se fondent dans un son d'ensemble très complexe ; là aussi, le groupe n'a pratiquement rien en commun avec les conventions traditionnelles du trio de piano jazz.

Ce qui leur tient plus à cœur que les pirouettes virtuoses, c'est de tisser et d'élaborer des esquisses concises d'humeurs et d'atmosphères, d'émotions fébriles ou de combinaisons de sons bizarres en textures denses. Ici, trois artistes sont à l'œuvre, incapables de parler avec évasion ou artifice.

La carrière de bassiste d’Ida Nielsen a décollé en 2010, lorsque Prince l’a invitée à rejoindre NPG puis 3rdEyeGirl. Et pour cause, la Danoise sait donner du funk avec tous les atouts requis: slap, fingerstyle, improvisation, son et présence scénique. Mais ce ne serait pas rendre justice à son talent que de réduire Ida Nielsen au groupe des 3reEyeGirl. Jouant depuis des années dans de nombreuses formations, elle mène également son propre projet musical. En 2019, elle sort son troisième album intitulé «Time 2 Stop Worrying», révélant un mélange de funk old school, de hip-hop et de reggae avec un soupçon de world music. Et toujours un maximum de basse!

Déterminant et façonnant notre vie, et donc notre manière d’écouter, le temps est l’un des éléments majeurs de notre conscience. Et plus nous avançons en âge, plus il prend de l’importance. «It’s about time» s’intéresse donc au temps. Ce thème passionnant est ici décliné avec une fraîcheur revigorante dans une tension entre plusieurs pôles opposés. Poésie méditative, silences gorgés de promesses et cascades sonores furieuses d’une densité rare reflètent cette passion pour les différents aspects du temps et de la temporalité, qui se retrouve même dans les titres des morceaux. Au moment même où les sons, les bruits, les harmonies et les rythmes prennent forme et se déploient, ils commencent à s’estomper et appartiennent déjà au passé. Et pourtant, grâce à la conscience aiguisée du groupe, chaque son affirme une idée forte, chaque silence a un sens, chaque pièce née de l’alliage entre préconception et improvisation fait avancer la réflexion. Contrairement à ce que l’on pourrait croire, le «Covid-19 Blues» n’est pas un blues, mais plutôt un instantané sombre et tâtonnant qui hésite entre incertitude et panique naissante, un instant suspendu, proche de l’immobilité, à la fois inquiétant et fascinant. Juste après, avec «Fragments», OM alterne esquisses délicates, incantations sacrées et passages exaltés. Comme il y a quatre décennies, ce groupe légendaire continue à électriser nos terminaisons nerveuses, sans jamais arrêter le mouvement spirituel et émotionnel qui porte leur musique: «Perpetual-Motion Food».

Urs Leimgruber - reeds
Christy Doran - electric guitar, devices
Bobby Burri - double bass, devices
Fredy Studer - drums, percussion

Il a vu la lumière du jour il y a 50 ans à Amden, "hinderem Bärg und änet am See", où il a déjà trouvé son public en tant que petit garçon, interprétant des chansons d'une voix délicate devant des touristes étonnés.

Sa carrière sur scène a commencé il y a 30 ans, lorsqu'il a remporté son premier concours de talents, avec "Les petits héros", un petit hymne à tous ceux qui font de grandes choses dans l'ombre. Enfin, il y a 25 ans, son premier album est paru, pour lequel il a sorti de l'oubli "Eusereine chönnt das au", qu'il a interprété de façon rauque et en même temps tendre et amoureuse comme seule Margrit Rainer avait pu le faire auparavant. Les réactions de la presse ont été presque extatiques : une nouvelle étoile éblouissante était née dans le ciel musical suisse, ont-ils dit.


Dans le cadre du programme anniversaire «ECHO», Michael von der Heide peut à nouveau faire l'expérience de la scène locale avec ses plus belles chansons à succès tirées de 12 albums - parfois sous une autre forme musicale - ainsi que de toutes nouvelles chansons. Il est accompagné de Martin Buess (guitare), David Cogliatti (piano), André Pousaz (basse) et Beni Bürgin (batterie).

Et parce qu'il brille également sur scène en tant que maître de cérémonie plein d'esprit et à la langue acérée, les histoires et anecdotes issues de 50 ans de vie et de 30 ans d'expérience sur scène ne manqueront pas. Une soirée qui résonne longtemps est donc préprogrammée avec «ECHO».

Marc Ribot est l'un des personnes les plus emblématiques du soul jazz américain, et sans doute l'un des plus imprévisibles. En tant que guitariste, il a travaillé avec des artistes tels que Tom Waits, Elvis Costello, John Zorn et Robert Plant, et a eu une influence importante sur leur musique.

Ribot considère son trio Ceramic Dog comme un groupe de rock : une musique à l'énergie punky, à l'originalité exubérante et au cynisme bien présent, allant du blues routier au rock cumbia en passant par l'avant-garde.

Hope - En mai 2020, Marc Ribot avait commencé à trouver le fait d'être déprimé déprimant. Le guitariste et son trio Ceramic Dog - le bassiste/multi-instrumentiste Shahzad Ismaily et le batteur Ches Smith - n'avaient pas joué depuis des mois. Toutes les personnes concernées ont donc décidé de se rendre au Figure 8 Recording Studio d'Ismaily à Brooklyn pour enregistrer ce qui allait devenir Hope. À l'origine", dit Ribot, "nous voulions l'appeler "Better Luck Next Time", mais cela sentait..... un peu inutile."

Line Up:

Marc Ribot (g)
Shahzad Ismaily (b, g, electronics)
Ches Smith (dr)

Marc Ribot (Nov 2020)

"When these recording sessions began in the last week of May 2020, I hadn’t left my house to go anywhere other than the grocery store in over two months. I hadn’t taken a cab or subway. I’d lost several friends to COVID-19, and was afraid I’d also lose more thanks to the non-response of our would-be dictator/“president”, whose deliberate embrace of untruth fed tens of thousands of lives to the pandemic, and also reduced what little hope was left for avoiding global warming catastrophe.

Anyway, when we went into the studio, I thought we’d come up with something that spoke to our times... a message in a bottle to our equally shipwrecked (imaginary) listeners.
But once we started, it was so much fun to jam that we forgot the disasters outside. So instead, we “spoke" to each other. And to other times that we couldn’t yet see: like the day, 5 months later, when people all over Brooklyn would dance in the streets for joy.

It's almost December now. Things are shutting down again, and I’m quarantined in Europe writing liner notes for a record that will be released in the new year--once more, speaking to another time... perhaps a future?"

On reconnaît encore dans les compositions originales qu’elle propose les influences les plus actuelles, empruntées notamment à la folk indie et au groove d’une pop pétillante. L’inspiration s’infléchit cependant de façon marquée vers les genres traditionnels qui ont bercé ses premières années.

Cette résurgence des modes musicaux et des rythmes algérois n’est pas seulement perceptible dans les accents mélodiques et les vocalises, tout en touches de sensibilité. Elle s’affirme dans la présence du banjo et du mandole qui font jaillir leurs sublimes étincelles dans les accords et les transitions instrumentales. Porté par ces deux ailes virevoltantes du chaâbi et soutenu à son paroxysme par le bendir, le chant prend de l’altitude et résonne comme un rappel lancinant des origines.

Les textes évoquent sur un ton à la fois intuitif et distancié les thèmes de la dépossession, de l’exil et de l’errance (Ida, Taleb Laman, Chouf Elil), en appelant à la mémoire et à l’amour qui avivent la nostalgie des lieux désertés et des gens disparus (Souâl, Loun Liyam, Yama Tal). Ce sont autant de voix qui répercutent le tumulte du monde, dont La mélodie des vents (Neghmat Erriah) entrelace « les cris et les lamentations ». Elles ne pouvaient donc mieux s’exprimer aujourd’hui qu’en arabe, langue d’écriture de toutes les chansons.

Le retour aux sources musicales se nuance alors de ces affleurements du présent, comme si le réel s’immisçait pour une fois dans la nostalgie et le souvenir. C’est dire que, loin de céder aux tentations passéistes, ce nouvel album de Djazia va chercher dans la tradition de nouvelles opportunités d’invention.

Après une longue attente, son dernier album intitulé «The Flood and the Fate of the Fish» est enfin sorti chez enja records.

Rabih Abou-Khalil navigue à la croisée des mondes, entre la musique arabe traditionnelle, le classique européen et le jazz. Véritable vagabond culturel, établi en France après un long séjour en Allemagne, ce virtuose de oud d’origine libanaise réunit la musique arabe, européenne et américaine dans un style unique, harmonieux et intelligent. Impartial et éveillé, il parvient avec beaucoup d’humour et un talent hors du commun à fusionner des univers souvent contradictoires.

Line Up:

Rabih Abou-Khalil - Oud

Luciano Biondini - Akkordeon

Jarrod Cagwin - Schlagzeug und Percussion

Le fait que Amparo Sánchez soit une artiste très créative et talentueuse n'est pas nouveau. Après avoir effectué une tournée intensive et mondiale avec son groupe Amparanoia en 2017, elle se concentre (à nouveau) davantage sur sa carrière solo en 2020.

Amparo est revenue dans sa région natale d'Andalousie au printemps 2019 pour s'occuper de sa mère qui vit à Grenade. Cette redécouverte de ses racines l'a également amenée à rencontrer deux grands guitaristes flamenco, Víctor Iniesta Iglesias et Eduardo Espín. Tous deux ont une longue carrière de musiciens dans des groupes comme Estopa ou Elbicho, ou ont travaillé avec des légendes du flamenco comme Jorge Pardo, Carles Benavent, Soleá Morente et bien d'autres.

Amparo Sánchez partira en tournée avec lesdits guitaristes et jouera les chansons de leur nouvel album ainsi que de grands titres des albums précédents comme "Tucson-Habana", "Alma de Cantaora" et "Espíritu del Sol".

Avec son nouvel album "Time Flies" Pierre Omer renoue avec la veine folk rock de ses débuts. Sauf que pour l'occasion il s'est entouré d'une dizaine de musiciens, s’autorisant des orchestrations envoûtantes qui donnent de véritables allures cinématographiques à ses chansons, chroniques de la frénésie et de l'aliénation contemporaine pour certaines, antidotes nostalgiques pour les autres, qui ne sont pas sans rappeler Talk Talk de l'époque "Spirit of Eden", les Tindersticks ou encore le crooner Richard Hawley. Mais avec sa voix grave, son accent "mid atlantic" et ses cordes, Pierre Omer nous fait aussi débarquer sur l'autre rive de l’océan, celle d'un Scott Walker ou d'un Lee Hazlewood.

Time Flies, le temps file... C’est aussi un voyage stylistique, et peut-être même sociologique dans le temps. En prise directe avec l’urgence de notre contemporanéité, les textes reflètent cet emballement général qui est aussi facteur de confusion, d’errance, d’exil et d’aliénation (Still that girl, Time flies, Who’s that guy). Il emprunte pourtant au savoir-faire et aux moyens d’une époque révolue : celle d’un âge d’or de la chanson où la variété, la richesse orchestrale, dévolues à la dramaturgie des textes, relevaient encore d’une entreprise manufacturière. En ce sens, ce nouveau projet de Pierre Omer, qui mobilise une dizaine de musiciens en chair et en os, relève aussi d’un véritable tour de force, en une période de crise où l’humain, toujours davantage, cède le pas à des ersatz numériques.

Projet ambitieux de par son écriture, la richesse et la sophistication de ses arrangements, Time Flies pose Pierre Omer en authentique dandy folk, en crooner de l'Americana. Mais cet album est avant tout le fruit d’une étroite collaboration avec son ami et complice de longue date, le violoniste et compositeur Philippe Koller, auquel il a confié des chansons à l’état brut (guitare et voix) pour les retrouver ensuite parées d’une longue traîne où s’entremêlent les volutes d’une section de cordes et les stridences de guitares western-spaghetti, que le contrepoint de la chanteuse Lynn M, au timbre si voluptueusement canaille, vient encore enrichir le temps de quelques duos.

Line Up

Pierre Omer - vocals, guitar

Philippe Koller - violin

Bernard Trontin (The Young Gods) - drums, percussion

Maude Steiner - guitar, vocals

Christoph Ryser (Hell’s Kitchen) - double bass

Francois Tschumy - pedal steel

Daniel Minten - violin

Giacomo Grandi - cello

“Iva Nova is the coolest Russian female band” - Russian Rolling Stone Magazine.

Les quatre femmes expérimentales d'Iva Nova de Saint-Pétersbourg s'inspirent du folklore slave. Mais la musique extravagante du groupe a aussi une touche absolument unique et sauvage. Leur expression musicale est puissante, énergique et fougueuse, mais aussi ludique et humoristique, féminine et fière.

Lorsque l'accordéoniste démarre son instrument, on rêve immédiatement des étendues russes. Mais dès que le synthé commence après huit mesures, on se sent instantanément transporté dans le sentiment subversif de la vie dans la grande ville. Le groupe Iva Nova a été fondé en 2002 à Saint-Pétersbourg, a sorti son premier album en 2004 et a immédiatement entamé une carrière exemplaire sur scène dans son pays et à l'étranger. Depuis, les quatre sympathiques musiciennes tournent chaque année dans plusieurs clubs et festivals du monde entier avec leur style incomparable et captivant.

Ils s'appuient sur les traditions musicales de leur pays natal, tout en faisant preuve de créativité dans tous les styles imaginables, de sorte que, lors de leurs concerts, tout est possible entre les chansons soul et le punk rock puissant - c'est de la pure anarchie musicale !

Lien Up

Ekaterina Fedorova (dr, perc)
Anastasia Postnikova (voc, synth, perc)
Natalia Potapenko (accordion)
Galina Kiseleva (bass)